Sdoganature, departures e portogalli

È del M° Bright Sheng il brano di apertura, pieno di Bartók e di Hindemit ma insomma la scelta di comporre per banda è inusuale, piaccia o non piaccia. Serve peraltro giusto a illustrare la figura del compositore così come in Wiki. https://en.wikipedia.org/wiki/Bright_Sheng.

Nell’articolo qui di seguito – cui si può dare per ipotesi credito – invece la narrazione dell’avventura, non la prima forse non l’ultima, occorsa appunto al Maestro ed esposta dalla corrispondente a Washington di El País, sig.ra Antonia Laborde. Al solito lascio tutto in lingua originale. Chi la sa si sbroglia. Chi non la sa – e che casomai è convinto che lo spagnolo è come il veneto e quindi Sì lo capisco, l’inglese bè è facile, il tedesco non si capisce niente, il francese non serve – usi la traduzione di Google. Sia chiaro tuttavia che la scelta di proporre sempre originali per certo è dovuta a un inestricabile fondo aristocratico da nobil cavaliere com’io mi vanto ( W.A.Mozart-L.da Ponte – Don Giovanni a1/s9 ) e alla convinta intenzione di non voler tradire mai le origini e gli originali del che cosa sia sia. A crearsi e cercarsi le interpretazioni vada ognun pei fatti suoi (G. Rossini-C.Sterbini – Il Barbiere di Siviglia finale1)

Tuttavia riassumo i fatti: il Maestro Sheng, doc di musica alla Michigan State University avvia un seminario su Verdi, Otello e Shakespeare. All’uopo propone la visione del film Othello (S. Burge 1965) con Laurence Olivier. Apriti cielo, Olivier truccato col pancake marrone, ah obbriobrrio che offessa che offessa ( Totò in Miseria e nobiltà) alla kultura oppressa dell’afroamericano studente medio che evidente-mente ignora la di Olivier e si deve supporre anche quella di Welles e magari tutte le versioni finto afro ( è teatro oh babbalei) dei bianchi per Othello. Ma la chiesa Woke (→) vorrebbe senza dubbio che ogni Othello fosse afro ( lo fece Oliver Parker nel ’95 con Fishburne e Branagh) perchè no travesta –  fosse vivente a Shakespeare gliene importerebbe una beata fava – o donna, bianco mai.

Quand’era doc mi dovetti abituare negli anni a far lezione su tutto – dai Promessi Sposi a farsi domande sulle indicazioni dinamiche in spartito per esempio – perché gli studenti coltivano l’ignoranza come un virgulto prezioso annaffiandolo con assenza totale di curiosità sul passato e su tutto che non fosse sotto i loro occhi hic et nunc. Far sentire la Schwarzkopf alle sopranesse era aprire loro un armadio di insospettate meraviglie ché del canto sapevano solo declinare Callas. Bastianini, Della Casa ma anche Sean Connery e Vittorio Gassman tutti militi ignoti. Il presente per lo studente medio è dima e guida di ogni studio. Basti all’insegnante non disturbare il sonno dei pupi. Sia chiaro che giusto i cinesi sanno dell’occupazione giapponese e del massacro di Nanchino e, ovvio, i Russi tutto su Puskin e i loro grandissimi e sulla loro storia. Gli italiani non situano la prima e la seconda guerra mondiale con precisione. Guerra di Spagna, boh. Poi certo Verdi e Rossini Puccini, Bruckner boh, Mahler ah sì, Bartók, Hindemit e Purcell, sì e no. Von Weber? Ignorano poi che la fotografia era affare di pellicola Kodak, che scrivere si scriveva con la Lettera 32, che registrare si registrava su nastri, non di seta, marca Basf su registratori Studer.

Ecco dunque che vien naturale pensare di quei studenti miricani che, Intelligence of which you have none (Al Pacino in Scent of a woman), alimenta in loro il ben dell’ignoranza che genera mostri; che sono degli imbecilli – canaglie, australopitechi, cannibali, mussolinidacarnevale, maramaldi, ectoplasmi, sabordi nello stile del capt. Haddock – e infine come par vero sempre di più dei fascisti; del fascismo genetico che è quello autentico e imperituro. Appiccicare questi epiteti tuttavia svaluta gli epiteti stessi – salvo quelli spiritosi – e può alimentare ma non saziare la disperazione e l’angoscia di chi detesta bastioni e confini, nazioni e sedicenti culture che altro non sono che negazione stessa del termine cultura – coltivazione, crescita, nutrimento – in favore di una cristallizzazione di ritornelli su identità e tradizioni. Dentizioni storte non identità. Ma quale? Non basta e avanza quella promossa dagli specchi ogni mattina ma che riflettono mica prima di riflettere certi ceffi? I ceffi mi immagino di coloro che hanno impacchettato il prof. Scheng nella scatola dei nemici del popolo e via via, crucifige, cioè licenziare oh wake up signor rettore. Non è accaduto ma Sheng, che deve aver interiorizzato l’autocritica pubblica, ha chiesto scusa, ha fatto il Don Abbondio e si inchinato con ogni probabilità a un turlurù in sandali e maglietta, don Abbondio almeno agli stivali finemente ingrassati di un Don Rodrigo in pizzo e pizzi. Tra din don dan ci si intendeva. Il rettorato non l’ha difeso, Sheng non ridondon, e in via cautelare lo ha costretto a cambiare seminario e… leggasi poi.

Per quel che mi riguarda, visti anche i chiari di luna poco marinettiani che splendono qui sulla formaggella dello Stoppani (il Belpaese), la domanda insita in ogni risposta è se e quando e dove scappare. Portogallo? Non sarà certo popolato da Saramaghi e Pessoas – persone forse sì – però… Mah. Intanto sono tentato dal richiedere il passaporto. Si sa mai.

© EL PAÍS Martedì 12 ottobre
Apartado un profesor por mostrar en clase el Otelo del actor blanco Laurence Olivier enEEUU
Bright Sheng, que sufrió en China la represión de la Revolución Cultural y dos veces finalista de los Pulitzer de la música, provocó el enfado de sus alumnos por usar la película en la que el intérprete británico actúa con el rostro pintado de marrón
© ANTONIA LABORDE 12 OCT 2021

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Laurence Olivier y Maggie Smith, en la versión cinematográfica de Otelo.

Escoger mal una película puede tener devastadoras consecuencias en Estados Unidos. El músico Bright Sheng, de 65 años, se ha visto obligado a abandonar su seminario de composición en la Universidad de Michigan después de que sus alumnos reaccionaran a su decisión de poner en clase la versión cinematográfica de la obra Otelo protagonizada en 1965 por el actor británico Laurence Olivier. En la cinta, el intérprete actúa con el rostro pintado de marrón, una desfasada práctica conocida como blackface, considerada racista en este país.

El compositor, director y célebre pianista pidió disculpas por reproducir en clase una versión del drama de Shakespeare que “discrimina y degrada” a los afrodescendientes y a su cultura. Para defenderse, enumeró a varios artistas de minorías étnicas que ha contratado a lo largo de su carrera. Fue peor. Los estudiantes de primer año calificaron la misiva de “incendiaria” y exigen su despido.Sheng es profesor titular de la Escuela de Música, Teatro y Danza de la Universidad de Michigan desde hace un cuarto de siglo. Este otoño impartió un seminario para “analizar Otelo, de Shakespeare a Verdi”. Desde que en la primera clase proyectó la película, no ha vuelto a pisar el aula. “Los tiempos han cambiado y cometí un error al mostrarla. Fue insensible por mi parte”, apunta el profesor a este periódico. Explica que eligió la versión de 1965 por ser una de las más fieles a Shakespeare y añade que en el mundo de la ópera el cross- casting (elección de un actor sin que coincida el género o la etnia con el del papel que va a interpretar) es una costumbre que se remonta al origen del teatro.

“Pensé que tanto la obra como la ópera retrataban a Otelo como a un héroe que es víctima de los blancos” y que podría enseñar algo de provecho sobre “los malos comportamientos humanos universales y sobre problemas como las calumnias o las acusaciones falsas”, apunta el compositor. Muchos lo señalan como una nueva víctima de la corrección política y el revisionismo del arte. Consultado sobre si se ve como un afectado por la cultura de la cancelación, responde: “Antes de este incidente, nunca había oído hablar del término. No tengo comentarios al respecto”.

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El músico Bright Sheng.

Meses después de que el Otelo de Laurence Olivier llegara a las salas de cine, Bright Sheng, entonces de 11 años, vio en Shanghái cómo los Guardias Rojos se llevaban el piano de su madre, la mujer que le enseñó a tocar. A pesar de la represión de la Revolución Cultural se convirtió en uno de los grandes compositores de su generación. Obtuvo una beca MacArthur, conocida como la de los genios, y ha sido dos veces finalista de los Premios Pulitzer de música. Sus composiciones se han escuchado desde Pekín, en la apertura de los Juegos Olímpicos de 2008, hasta la Casa Blanca. “Bright Sheng sobrevivió a la Revolución Cultural de Mao, pero es posible que no sobreviva a un par de estudiantes de Michigan quejumbrosos a los que se les muestra una versión cinematográfica de Otelo”, tuiteó el novelista Christian Schneider.

Sammy Sussman, estudiante de cuarto año de música clásica, fue uno de los alumnos que se molestaron por tener que ver el Otelo de Olivier sin ninguna “advertencia o discusión” previa. Esta película ya fue criticada en los sesenta por herir sensibilidades y estereotipar a la comunidad negra. Sussman le escribió al director de la facultad, quien le recomendó hablar con Sheng antes de acusarlo, ya que creía que un profesor con su experiencia “tenía motivos educativos para compartir esta famosa interpretación de Otelo”, según cuenta el estudiante en su blog. El joven afirma que la solución de discutir el tema no era una opción factible “sin temer por las repercusiones profesionales”.

Al acabar la clase, algunos alumnos le hicieron ver a Sheng su rechazo a la película y este envió una disculpa a todos los estudiantes “en 108 minutos”. Enseguida, despachó otro mensaje informando de que cancelaba el proyecto sobre Otelo y que presentaría un nuevo tema para el seminario. “Investigué más y aprendí sobre el tema y me di cuenta de que la profundidad del racismo era, y sigue siendo, una parte peligrosa de la cultura estadounidense”, rezaba la misiva. Varios alumnos acudieron al decano de la facultad, Dean Gier. Este contactó a la Oficina de Equidad y Derechos Civiles de la Universidad para que investigara lo ocurrido. “Este [incidente] ha sido doloroso e inquietante para los estudiantes de la clase”, escribió Gier en un correo dirigido al alumnado.

Viendo que los ánimos no se calmaban con las disculpas iniciales, el profesor escribió a sus alumnos que a lo largo de su carrera docente había tenido muchos estudiantes afroamericanos y que mantiene el contacto con ellos. También, que ha contratado a varios artistas negros en su trayectoria. La defensa encendió aún más a su alumnado. “Da a entender que gracias a él muchos de ellos han logrado el éxito en sus carreras”, sostuvieron más de cuarenta estudiantes de composición de pregrado, posgrado y miembros de la facultad. Tras esa carta, Sheng dejó de ser oficialmente profesor del seminario sobre la obra de Shakespeare.

“Las acciones del profesor Sheng no se alinean con el compromiso de nuestra universidad con la acción antirracista, la diversidad, la equidad y la inclusión”, explicó a este periódico Kim Broekhuizen, portavoz de la facultad, quien aclaró que el compositor no fue despedido, sino que él mismo decidió, junto con Gier, “dar un paso al costado”. Sheng continúa ofreciendo clases privadas y está previsto que imparta un curso en invierno, pero ya no es el profesor del seminario. El cambio “permitirá un ambiente de aprendizaje positivo” para que los estudiantes puedan enfocarse en su “crecimiento como compositores”, argumentó el decano.
© Antonia Laborde – El País
Corresponsal en Washington desde 2018. Ha trabajado en Telemundo (España), en el periódico económico Pulso (Chile) y en el medio online El Definido (Chile). Máster de Periodismo de EL PAÍS.

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L’ElzeMìro di Martedì 12 ottobre

Favolette Brechtiane 15 – Cenìza marionettista

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Franco Zeffirelli – Inferno – La città di Dite – © Pino Gengo – Fondazione museo Zeffirellli- Firenze

http://www.gliamantideilibri.it/?p=76529

in  www.gliamantideilibri.it a cura di Barbara Bottazzi
BAMANTI
Desideria Guicciardini-L’Elzemiro alla sua tastiera
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Che fisica la mia dolce metà

The Artist in Her Studio, 1993 (acrylic on canvas)

    Paula Rego – The Artist in Her Studio

È probabile che io non sia tanto intelligente, forse non come mi vedeva mio padre che del vocabolo intelligenza fece per tutta la vita la chiave di ogni stanza dell’albergo qui dei poveri sul cuor della terra, quelli che trafitti da un raggio di sole, grasso che cola se arriviamo a sera. Infatti lui arrivò a sera a poco più della mia attuale età e forse si ritirò con qualche intelligenza per non assistere allo sfacelo. Per quanto mi riguarda ogni tanto mi capita di sentirmi intelligente ma mi passa subito. L’età fa il resto.

Come è noto ho stima di una rivista letteraria, Pangea, che mi pare buona e molto attenta a non fare di se stessa il tamburino degli editori dominanti egemoni. E degli autori che incassano il plauso del pubblico medio, ovvero quello di laureati medi, diplomati medi, medi ocri che, stando a una vecchia statistica del Ministero dell’Istruzia sotto il prof. Tullio De Mauro→, pare duri fatica – se non è migliorato nel tempo – a decifrare un testo di media estensione e media difficoltà. Qui tra queste righe, oh Pindemonte, si passa per difficili con tutto il carico di giudizi prescrittivi che ciò comporta. E di convinzioni esortative, scrivi facile, scrivi facile. Scrivere facile è impossibile, udite oh villici ( G. Donizetti – Elisir d’amore), perché gli oggetti de cuius sono complicati e difficili. A meno che tu non ritenga letterariamente prezioso lo scrivere, my pen is on the table, magari in dialetto triestino, g’ho ‘l penin sul tavolin ciò. E amen e a non vederci più.

Ti invito pertanto, oh Pindemonte, a leggere il pezzullo su Rimbaud, qui al link https://www.pangea.news/rimbaud-lettera-veggente-2/. Ecco, mi pare che la rivista, e l’ho notato altrove, abusi di iperboli e metafore e infine sinonimìe e metafisica – indulge a raccontare fatterelli finendo nel gossip –  così da esaltare, oh Pinde, una sorta di assimilazione, sinonimìa, di opera e autore, leggi vita dell’ ∼. La questione è annosa. Se esse, vita e opera (+ carattere), siano tutt’uno o se come credo c’entrino poco o niente una nell’altra. Molière, per sopravvivere all’ambiente, fece per tutta la vita u suca minchia d’u rre, d’a reggina e du paggettu, nei suoi capolavori di questa attività non v’è traccia. Il caro Wilde scrisse poco o nulla in seguito allo sfortunato inciampo nella dissolutezza del codice penale inglese e di qualche marchetta invidiosa del Missipipì. Prima quando frequentava bene e vestiva meglio e faceva il bagno spesso, il wilder, scriveva eccome. L’acqua calda snebbia, la meningoencefalite no. La relazione tra turgori adolescenziali, sottoponti e fughe a 16 anni, nonché abbandoni alla vita di contrabbandiere non c’entrano con la poesia del Rimbaud. Se mai testimoniano del fatto che anche un teppista può nascondere e rivelare l’artista. E che alla fine l’artista preferisce la strada del teppista perché rende a volte di più. Farsene carico è questione di fatica non di brulotti romantici. Il Rapagnetta alias D’annunzio, fu uno scellerato piantachiodi nei portafogli altrui ma c’entra con Le martyre de Saint Sébastien? Direi di no. O Thomas Mann, Rilke e Benn, con le loro vite di ordinaria aristocrazia non avrebbero chiappato il podio. Poi c’è chi giudica la vita, ah Allen il dissoluto, ah il Pasolini marchettaro, ah Dalì da lì da lì, bon questo è pettegolezzo, nemmeno potin o cortiglio, proprio portineria. Che è quella che ti condanna al crucifige del condominio o, nel peggior dei casi al carcere di Reading Gaol – bella parola dal francese geôle – con annessi e connessi. Bon. Di Don Giovanni il peggior peccato fu di non sapere fare a Orfeo nemmeno una pernacchia, né comporre una sonata o progettare una casa Batló. Un vero Don Giovanni come Simenon, guarda Pinderello quanto e che cosa scrisse. Eppure non tuoni né fulmini, né underneath the arches, non dissolversi in roghi d’automobili da corsa o obnubilarsi in qualche modo. Forse non aveva la patente, occorre domandarsi. Céline scrisse il suo Voyage perfettamente compos sui. In Nord non v’è traccia di furore ma lucidità di patologista. Bevve per tutta la vita acqua e se ne vantava.

Far metafisica è un esercizio da filosofi in città. Mai capito nulla me dove stia la metà della fisica; come per Nietzsche, tutta la filosofia, Pindy caro, al liceo mi parve finire con Eraclito; dopo, o contemporaneamente, Euclide e Ipazia e il signor Bosone, la scienza, non Socrate, non Platone, le due portinaie lgbt del Partenone. Ad Aristotele mancò il talento per studiare la fisica dei gravi e l’umiltà per non occuparsi di teatro, che non era il suo mestiere. Per metafisica ho sempre inteso la metà e la meta incognita, inesplorata della fisica che ha sempre nuove frazioni da indagare o inventarsi in attesa di verifica pratica dopo quella deliziosamente solo matematica. Essere, non essere, onte ed ente, spirito, sono parole per liturgie intellettuali. Amleto che hai stamane tesoro, Oh nulla mamma ma alla enne. Il nulla è un poco travestito. Cistite o non cistite, oppure uretrite: that is the question. The rest is silence. Sipario. O no?

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L’oròcchio di Diòniso

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                                                          Kazimir Severinovič Malevič  (1878–1935) Cavalleria Rossa

Quando si conosce un argomento e le sue implicazioni, per studio e lunga pratica critica, asserire pubblicamente in merito il contrario esatto del comune sentire e dire, si potrebbe evitare tacendo, ché  solo quell’atto paradosso aliena simpatie (se a evocare questo sentimento si è interessati) o suscita inutili polveroni, fini a se medesimi; eh sì, ma si finisce per cascarci: correggere è una tentazione. Sfuggirle una fatica.

Una selvaggia espressione mi correva dalla bocca quando ero insegnante di queste cose, Se hai un figlio che vuol fare da grande il regista, fallo vedere da un medico. Esercitato quel mestiere per anni anche dopo essere diventato un umile servo dello Stato sempre ho detto, mi sono detto, ho divulgato la notizia, ho cercato di mostrare che il regista non era/è altro che un insegnante. E che per farlo, come ci insegnava/mostrava la strada il mio maestro Rissone, occorreva sapere di tutto un po’ o di tutto di più: dall’ago al milione. O al maglione. E poi dimenticare. Tuffare le mani nelle pance aperte. Guardandosi bene dal sentirsi intellettuali, termine che quasi mai o di rado rima con intelligenti. Capienti sì.
Sono innumerevoli i quesiti che si chiede al regista di risolvere, tutti pratici, la più parte posta dagli attori che sono le uniche colonne di uno spettacolo, comunque inteso. Nella lirica poi non c’è altro che il canto a saturare l’ambiente: i giocattoli dei registi di oggi sono appunto i giocattoli su cui inciampano bestemmiando gli adulti all’entrare nella stanza dei bambini. MA. Il palcoscenico o il set non sono la stanza dei bambini. SE, come usa oggi, il regista si sente autore, non si tratterrà dal pisciare fuori dal vaso, debordare; perciò stesso scocciare. Impedirne l’attività ope legis. Chiudere le scuole, i corsi, i seminari di regia. Proibire le interviste. La parola progetto. E, per maggior tutela, il termine laboratorio.

C’è una questione, questione dibattuta per anni in tutti i miei corsi al Conservatorio di Milano. La questione è quella che si può etichettare col termine educazione estetica. In soldoni si tratta di allenare la sensibilità. Allora in musica si chiama ear training. Che cos’è, è detto qui: Ear training or aural skills is a music theory study in which musicians learn to identify pitches, intervals, melody, chords, rhythms, solfeges, and other basic elements of music, solely by hearing. The application of this skill is analogous to taking dictation in written/spoken language. As a process, ear training is in essence the inverse of sight-reading, the latter being analogous to reading a written text aloud without prior opportunity to review the material. Ear training is typically a component of formal musical training and is a fundamental, essential skill required in music schools. ( fonte Wikipedia, voce ear training).

Per estensione poi con gli studenti ricordavamo come eravamo partiti da appassionarci da piccoli alla famigerata Ouverture 1812 o al famigerato Pierino e il lupo per arrivare col tempo ad ascoltare con piacere o interesse quasi ogni tipo di musica; spostando sempre più in là il suo confine, non solo si affina ma il gusto cambia proprio, cioè si adatta. Farla breve si impara. Si impara che cosa se non a riconoscere strutture, l’architettura dell’opera d’arte e a possederne gli strumenti. In sostanza è il processo che presiedeva l’apprendimento nelle botteghe.

Astrattista geometrico di bellissima mano, sfortunato e ignoto – dipingeva in pratica per dipingere quanto Salinger (oh certo al riparo della fortuna che gli valse Holden) scrisse per scrivere e senza pubblicare –, ascoltai da bambino un amico dei miei, il pittore Vella Attilio parlare di pittura, di Piero delle Francesca. Mi piacque molto, anche se Piero diventò un amore adulto; mi piacque sentirgli dire ciò che ritenevo, già allora, una ovvietà patente ovvero che, Solo un pittore può comprendere ( avere in sé n.d.r.) un pittore. Questa asserzione, in vari modi declinata in altre occasioni, ricordo che suscitava la polemica con mio padre, convinto del contrario che ci fossero messaggi da sostenere nel mezzo, che ogni opera fosse figlia del suo tempo e di un’ideologia estetica. Che avesse significati intrinsechi e estrinsechi e che fossero questi a catturare o l’osservatore, o l’ascoltatore. Mio padre non capì mai che la musica per esempio, non vuol dire niente di là dalla sua forma, idem la pittura, il cinema. Per paradosso, tutta l’arte religiosa del passato conferma questo detto: è oro, è porpora, è scelta del, mi si passi il termine, del cast – volti diafani o ferrigni trovati tra il popolo di allora –. Quel che si vede in un quadro del succitato è medium e messaggio. Il modus è il messaggio, si guardino La resa di Breda di Velasquez o il Taxi pluvieux di Dalì. Gli esegeti possono dire la loro, l’osservatore neutro non può non essere attratto che dalla forma. Differente in ogni artista, è il suo punto di vista, ma eguale nel permettere all’osservatore di svolgere e riavvolgere il proprio film di emozioni, se ci sono e non necessariamente. L’opera quale sia ha un nocciolo di realtà intrinseca, Stile, che non c’entra nulla con la percezione dell’opera stessa. Il sentimento che l’opera produce non testimonia della sua validità, ammesso che una ve ne sia. In altre parole opera e sentimento sono fatti diversi in campi differenti. Prendete la Sagrada familia di Gaudì. Possono raccontarvi tutto sul fervore religioso dell’architetto. Quello che vi piglia è la meraviglia della forma non la pretesa simbologia. I simboli sono autoreferenziali ma non sempre gli artisti lo sanno e si lasciano fuorviare. Vedi Buñuel ( seduti su wc i suoi borghesi illustrano borghesi seduti sul wc; è un ipèrbole, non una metafora o un simbolo) o i simbolismi dell’insopportabile Jodorowsky. I simboli segnalano un vuoto, un’assenza non un’essenza. Sono un gioco a nascondino. Per questo il simbolismo non funziona, non c’è niente nel simbolismo. Cosa diavolo vuoi trovarci, tu osservatore. E tu autore perché simboleggi ciò che potresti cantare in chiaro. È un trucco. A mio avviso è il motivo per cui Blake si può liquidare con un’alzata di spalle. Non a caso Dalì col surrealismo tagliò corto. Sempre da piccino guardavo affascinato le sue figure con stampelle, i cavalli in fiamme. Non mi domandavo che cosa volessero dire. Mai commesso questo errore. Vedevo manichini con le stampelle e cavalli in fiamme. Meraviglioso (in)significante e significante puro. Idem De Chirico. Ascoltarlo, l’ho scritto a ufo qui, – Domanda del giornalista filisteo, Maestro come mai un sole nero; De Chirico, Perché mi sembra una buona idea –. Eideia =immagine.

Attenzione, nella pratica musicale antica fino a Mahler i fiati, trombe e tamburi, annunciano, non simboleggiano, l’arrivo del potente, del re. Ascoltare Händel. Duncano in Macbeth di Verdi è annunciato da un’allegra marcetta di Busseto, tutta di fiati. L’arrivo di Alfredo in Traviata dai violini, non è un re. Sono modi per imporre l’attenzione. Non spiegano nulla, sono sostanza, architettura, beef, which is where what it is. In Mahler appunto simboleggiano l’assenza, suonano le trombe e non arriva nessuno, solo straordinaria musica. Ebbene quello di intendere un sotto dove c’è solo un sopra è vizio rabbinico, diffuso dalle scuole di ogni ordine e grado, quelle che insegnano a spiegare cosa vuol dire il poeta. Il poeta vuol dire quel che c’è scritto, vaghe stelle dell’orsa, significa vaghe stelle dell’orsa. A sepal a petal and a thorn upon a common summer’s morn, vuole dire – vuole, non il poeta, il verso se la vuole da sé – A sepal a petal and a thorn upon a common summer’s morn. Ciascuno può immaginarsi altro ascoltandolo ma non è autorizzato a domandarsi che vuol dire Leopardi. E peggio di tutto farci sopra un temino. Per carità fantasticare è un giochetto delle perle di vetro. Basta saperlo e non esercitarsi. Bisogna imparare ad ascoltare, a guardare, a leggere. Occorre che si superi la barriera del mi piace, non mi piace, mi angoscia, mi rallegra, non lo comprendo. C’è niente da comprendere se non lo hai già preso dentro. Non comprendo è bardarsi di ostacoli. Col voler capire si elevano barriere al carpire. L’arte per l’osservatore è abbandono. Il resto è chissenefrega.

Ora. Sere fa, dopo un anno maligno, siamo andati al cinema a vedere l’ultimo Moretti, Tre piani, una pena. Una pena sentire, all’uscita da una brutta proiezione, dei parrocchiani dell’anima dichiarare 1. fa pensare ( il dubbio dunque è che nell’intervallo che segue alla proiezione il pensiero si fermi colto da ictus) 2. mi ha fatto venire l’angoscia ( e allora?)
Entrambi i giudizi non c’entrano con l’opera che non vale un metro della pellicola usata per produrla. In parole poverissime, niente. E qui occorre fermarsi a guardare i fatti. Qualunque opera non ha da valere o non valere, ma funzionare o non funzionare. Si potrà obbiettare, ma a che, punto di domanda. Vedremo. Funziona 80% nella misura in cui funzionano gli attori. Non c’è spettacolo, film, teatrata che si regga sulla regia tranne in pochi casi. Cinematrografici. In Fellini per esempio dove gli attori però furono sempre sagacemente usati come maschere, maschere di un particolare forma di commedia dell’arte. Si ricordi la Gradisca o lo stesso Marcello, giù giù fino ai mostruosi vitelloni: maschere. Non persone o psicologie ( la psicologia in arte è illusionismo), ma maschere. La maschera non spiega, illustra, svela. Non simboleggia. Il cinema dei nostri antichi è cinema di maschere. Noi siamo eredi di una forma, la commedia dell’arte appunto, dove è maschera a prevalere e con qualche giustezza. Si ricordi Totò. Totò educa il gusto al gusto.

Tornando a Moretti, egli si è costruito la sua fortuna di dilettante, come al poker i principianti. Giocano e va loro bene tante volte alle volte. Importante è giocare a tavoli che si conoscono e che si sanno amministrare ( giovinezza giovinezza, lambrette, pallanuoto e psicanalisi). Usare una tecnica, o inventarla, tanto servirà solo per quello che serve. Ma trasporre un romanzo è un errore grossolano che costò la reputazione anche a Visconti: Morte a Venezia, non vale due righe di Thomas Mann; né l’Innocente una paginetta del Gabriellino. Nel caso di Moretti, si capisce che ha voluto fare il grande film di concetto. È venuto uno sconcetto. Con attori che non sanno nemmeno se uscire dalla porta di destra o sinistra, lasciati girovagare in un contesto romano che non credo abbia nulla da dividere con quello israeliano dell’originale romanzesco (Ossigenarsi a Taranto è stato il primo errore / l’ho fatto per amore di un incrociatore) Con attori peraltro che sono make up di sé stessi, Scamarcio da vitel-tonné con negli occhi l’ombretto sdegnoso naturalizzato pugliese. La Buy, lugubre come di consueto e che ha raffinato nel tempo l’unica mimica che conosce, la della Bianconiglia, È tardi è tardi, o, come diceva un mio maestro, di cunnus lugens=figa lacrimosa. Né l’uno né l’altra reggono un primo piano di carattere ( character dolly o push in →) perché non hanno i mezzi di una Winslet o di una Dench. Un buon regista che sappia insegnare o lo ottiene con mezzi perfidi ( Prendi Bergman che si spinse a far dire dal suo medico a un attore – non ricordo né il set né la vittima – che aveva il cancro, per ottenerne l’adatto sguardo dolente e smarrito), o lo ottiene con chicchere e chiacchiere, pugilato e delikatessen, estenuante e paziente pazienza in attesa che l’attore arrivi a un risultato. Non sempre quello che si pretende o si spera. L’attore bisogna capire che è un meccano in gestazione; sempre insicuro quando non è saccente e non se la mena. L’attore mette in atto, alla stregua di un paziente in analisi, strategie difensive e creative. Ogni attore si crea il suo cinema per arrivare alla realizzazione del personaggio. Che è fantasma. Ed è o tale o non interessa. Amleto, Tosca, Vladimiro ed Estragone sono fantasmi. Queste cose un regista deve saperle sapere. E contribuire con vari stratagemmi narrativi, cioè architettonici al risultato. Fanno lo stesso i narratori. A partire da Manzoni senza escludere Collodi. I personaggi sono situazioni e azioni, gesto e alla fine tempo. Senza tempo non esiste niente. E basta guardare bene Psycho o anche solo la 24a puntata di ER diretta da Tarantino. Moretti ha sprecato il suo e il nostro tempo. Per la malattia che è di tutti gli italiani, il dilettantismo unito a una prosopopea che l’età peggiora. Affidato a un tranquillo regista americano o inglese, ma chissà anche a Martone o Garrone e magari Sorrentino ( gente che sa fare un cast), forse l’impalcatura del romanzo israeliano – lo ignoro ma se c’è un pur vago residuo del romanzo nel film, mi pare che sia ragionevole aspettare per godersi No time to die (e fosse lasciato in inglese) – sarebbe stata in piedi. Col metronomo.

Poi, tutto questo detto sia lasciato cadere.

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L’ElzeMìro di Martedì 28 Settembre

Favolette Brechtiane 14 – Pollicinello e la prodigiosa chiave inglese

Erinaceus roumanicus Hans Hoffmann ( 1545–1592)

http://www.gliamantideilibri.it/?p=76402

in  www.gliamantideilibri.it a cura di Barbara Bottazzi
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Desideria Guicciardini-L’Elzemiro alla sua tastiera
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Ma che titolo e titolo

The Ear-Ring, 1911 by Ambrose McEvoy (1878-1927)

Ambrose McEvoy (1878-1927) The Ear-Ring, 1911
 

Ho il ricordo dolente dei tempi in cui interfacciarsi era buona norma e abracadabra linguacciuto per interfacce di bronzo o di materia fecale, intersfacciati a non finire. E ho detto tutto. Come Peppino in Totò Peppino e la Malafemmena. I due non si interfacciarono con nessuno mai.

p.s. e intersfasciati e intersfascisti?

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Zhang Zhang

Le parole della signora Zhang Zhang, prima dell’Orchesta di Montecarlo, sono così intonate che mi potrei aggiungere alle sue solo per rabbia e desolazione, da basso. Continuo. Da Le Figaro di Venerdì 17 settembre. © Ronan Planchon e Le Figaro.

Zhang Zhang: «Où est la justice quand on renvoie des musiciens classiques parce qu’ils ne représentent pas la “diversité” ?»

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L’Elzemìro di Martedi 14 Settembre 2021

Favolette Brechtiane 13 – La torre e il muro

http://www.gliamantideilibri.it/?p=76333

in  www.gliamantideilibri.it a cura di Barbara Bottazzi
BAMANTI
Desideria Guicciardini-L’Elzemiro alla sua tastiera
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Voragini, vertigini, voltigini, impetigini

C’è tutta una letteratura, critica, epistolare, biografica e agiografica, anadiplòica, che tratteggia lo scrittore, l’artista, come vittima e la scrittura come passaggio per tormenta, tra le fiamme. Ho letto di recente, a proposito di chi non importa, in una rivista peraltro bella e intelligente (Pangea) di voragini, vertigini, incendi e fiamme appunto; ma che c’entrano mai con la meticolosità dell’arte (interrogativa retorica): Ai postumi l’ardua sentenza, ma solo in caso di cirrosi.  Mito autodistruttivo e tortura, e ddolore e morte e ssilenzio e angoscia e cche palle, diceva in un bellissmo brevissimo sketch la geniale Anna Marchesini. (vedi e impara)

In realtà no, sì e no, non credo. Certo che eliminarsi – in qualche modo, non solo cruento – è il bout, il perfezionamento via via dell’opera, qualsisiasi, ma poi ma poi caro mio si scrive o si pittura o si compone perchè si scrive e si pittura e si compone, non c’è nessuna sofferenza, nessun travaglio, nessun abisso, lo disse bene e in chiaro De Chirico a suo tempo. Poi sì, certo che si passa per le fiamme al ca(m)mino. Ma del crematorio. E allora vien via chissenefrega.

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Effetti collaterali

 

vision

Odilon Redon-Vision

Mentre il grande norcino – le grand charcutier – sferruzza e taglia, i pupi scappano, sventrati corrono, si disperano, testimoniano, invocano, gridano e crepano: pare che al giorno d’oggi i fatti siano gli effetti collaterali delle interpretazioni.

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